艺术还可以是什么？｜现代艺术150年，一个未完成的故事

提起现代艺术，你脑海中跳出来的印象是什么？是毕加索那看上去支离破碎的立体主义画作、让人一脸懵逼的杜尚小便池作品，还是达利笔下莫名疲软的时钟？当你走进美术馆试图参考展览手册欣赏当下艺术家所创作的各种令人“费解”的现代艺术作品，是否发现却更加茫然沮丧——这也能称作艺术？艺术难道不应该如达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔的作品那样充满美感令人赏心悦目吗？
的确，在许多人的认知里，艺术作品就应该是对这个世界的美化再现，给人带来心灵的愉悦，为生活带来舒适的点缀。然而，艺术的价值与意义远不止于此。那么，艺术还可以是什么？英国著名艺术评论家、泰特美术馆前媒体主管、被纽约《创意》杂志评为世界上最有创意的50位思想家之一的威尔贡培兹撰写的这本《现代艺术150年，一个未完成的故事》或许可以带给你一些启示。带着这个疑问，我们不妨跟随作者幽默生动的讲述，打开现代艺术史地图，开启一场现代艺术发展的探索之旅。

自19世纪下半叶以来，随着数次工业革命带给人类的科技进步与经济社会飞速发展变革，属于意识形态领域的上层建筑艺术也经历了150多年的不断演进，对古典艺术传统进行了颠覆与反叛。发端于印象派的现代艺术，从立体主义、表现主义、原始主义到达达主义、超现实主义、波普艺术、观念主义直至后现代主义等，通过一次次的运动和主义对“何为艺术”进行了重新定义，让艺术不再必须与美有关，而更多地关乎理念，艺术家可选择任何媒介以不设限的方式来传递诠释这些理念。
颠覆古典艺术技法传统，开启色彩与构图的革命
19世纪中后期，随着摄影的发明，历来专注于用传统写实手法再现创作对象真实性的古典艺术不再具备优势。在颜料技术的改良进步之下，以莫奈、马奈等为首的前印象派艺术家摈弃古典艺术传统的室内作画方式，纷纷走出画室，学习在大自然和新兴城市环境中用画笔捕捉呈现日常生活场景中光影的迷人变换；由此拉开了一场艺术发展史上轰轰烈烈的色彩与构图的颠覆革命序幕。