身体的痕迹，身体的姿态|MoMA摄影史(4)

© Lynn Hershman Leeson
照片也可以成为表演和观众之间的连接。彼得·韦贝尔（Peter Weibel）站在维也纳的一条街道上，在一个警察局前举起一个自制的牌子，上面写着“谎言”（lügt），当这个行为在作品《警察的谎言》（Polizei lügt，1971年）中被看到时，它就变成了一个抗议声明，一首视觉诗。他坚定的却转瞬即逝的动作是为相机而做的——正是在照片中，韦贝尔的视觉宣言才得以实现，但它也可能被任何路过的人看到，他们成为了表演中实际存在的观众。照片的观者也变成了观众——正如菲利普·奥斯兰德（Philip Auslander）所写的那样，“行为艺术……通过其记录的表演性构成。”当记录表演的摄影师也是观众时，同为观众的他们可能会发现自己处于相似的位置：我们看照片的构图，就好像我们通过相机的取景器看一样；摄影师成为我们的代理人，向我们展示如果我们在现场会看到什么。
观看罗兰·奥格雷迪（Lorraine O’Grady）的作品《布莱克·布尔乔亚小姐》（Mlle Bourgeoise Noire，1980-83）的人成为纽约市画廊和博物馆艺术活动中的一员，这位艺术家在她的首次公开表演中，创造了一个迷人且直率的角色，来引起人们对艺术界缺乏种族多样性的关注。奥格雷迪穿着白手套制成的长袍出席活动，背诵诗歌，并用绳鞭抽打自己，这显然令其他参观者感到惊讶：在照片中，旁观者紧张地盯着这位艺术家，他们互相看着对方和相机大笑，给观众带来乐趣的同时也传达了某种不适感。

© Lorraine O’Grady
长期以来，人类的身体，通常是艺术家的身体，一直被用作艺术创作的材料和媒介。20世纪60和70年代的作品尤其如此，那是一个对日常生活和艺术界限进行重要试验的时期，主要通过身体姿势和身体的定位实现。在照片《木板作品I&II》（Plank Piece I&II，1973）中，查尔斯·雷（Charles Ray）用一块长木板将他放松的身体卡在墙上，证明了他的身体可以兼具雕塑性和表演性。吉尔伯特与乔治（Gilbert & George）自20世纪60年代末作为艺术学生开始合作以来，就一直认为自己是活生生的雕塑；他们穿着相同的西装，在皮肤表面涂上金属漆，将各自的身份合并为一个整体。雷和吉尔伯特与乔治作品的照片将他们的表演定格为图像，以此捕捉艺术家的身体，并强调了他们的雕塑形式。